20세기 초, 유럽은 산업혁명 이후 장미빛 미래를 꿈꾸며 도약을 준비한다. 하지만 1914년에 일어난 1차 세계대전은 유럽의 꿈을 무참히 깨뜨리고 말았다. 이 시기에 즈음하여 미술계에는 추상적인 패턴의 작품들이 서서히 고개를 들기 시작했다. 특히 바실리 칸딘스키(Wassilly Kandinsky 1866~1944)는 추상화를 통한 회화의 혁명을 주도하며 20세기 미술의 새로운 장을 여는 거목으로 서있었다.

칸딘스키는 모스크바의 유복한 가정에서 태어났다. 생애의 절반을 독일과 프랑스에서 지냈던 그는 법학과 경제학을 공부한 교수이기도 했다. 하지만 그림을 그리는 일이 그에겐 단지 낭만적인 취미가 아니었다. 1896년 교수직을 포기하고 뮌휀으로 이주하면서 그는 본격적인 그림 그리기에 몰입했다.

어느 날, 외출을 하고 집에 돌아온 칸딘스키는 선명함과 강렬함으로 격정적인 감동의 순간을 접했다. 바로 거꾸로 세워진 자신의 그림을 바라본 순간이었다. 무슨 그림인지 도저히 알아볼 수 없었지만 칸딘스키는 이를 통해 추상화를 탄생시키는 영감을 얻게 되었다.

<탑이있는 풍경> 1908
마분지 유채74×98.5cm


<홍수 1>1912
캔버스 유채 100×105cm

칸딘스키는 자신의 회화에 음악성을 부여했다. 심지어는 “색상은 건반이고, 정신은 피아노, 화가는 피아노를 연주하면서 영혼을 울리는 손이다."라고 말할 정도였다. 그는 음악이 화음만으로 청중의 심금을 울릴 수 있는 것처럼 회화에서도 색채나 선만으만으로 대상을 표현해 내는 일이 가능하다고 생각했던 것이다.

. * 회화를 크게 구상과 비구상으로 나누어 볼 때 구상은 구체적인 사물이나 상황을 묘사하고 있는 것, 그리고 그릴 대상을 객관적으로 묘사하는 것인 반면에 구체적인 대상을 그리지 않거나, 혹은 대상이 없는 그림을 그리거나 하는 화가의 주관적인 감정에 의지해서 완성되는 회화를 추상화라고 한다. 추상화는 화가의 주관적인 예술 활동이므로 결국 그림을 이해하기보다 화가를 이해하는 과정이라고 할 수 있다. 칸딘스키는 자신의 감정을 드러내는 방법에 나름대로 원칙을 두고, 즉흥이나 구성, 인상 등으로 회화를 구분하기도 했다.

칸딘스키는 특정 대상이나 자연의 모습을 화폭에서 완전히 제거한 화가였다. 그리고 이 같은 실물 주제의 포기를 정당화하며 회화의 자율성을 부르짖었다. 그는 무형의 주제로부터 예술에 대한 생각을 나름대로 정립하며 공감각의 원리로 발전시켜 나갔다.

추상화는 집단적인 미술운동이 아니었다. 단지 비슷한 시기의 사회적 배경이 미술에 반영됐다는 점에서 그 맥을 같이 한다고 볼 수 있을 뿐이다. 하지만 화가마다 그것을 표현하는 방법에는 조끔씩 차이를 보였다. 그 중에서 칸딘스키의 추상화는 직감과 심리적인 상태를 중시하는 회화라는 특징이 있다.

대학 시절과 미술학교에서의 교육과정을 거쳐 1920~30년대 바우하우스에서 교편을 잡았던 칸딘스키는 자신의 생각을 예술적 이론으로 체계화시켜 나갔다. 특히 20세기초의 현대시와 미술에 있어서 매우 중요한 공헌을 한 바그너의 오페라 이론으로부터 총체 예술에 대한 생각을 받아들여 공감각의 원리로 발전시켰다. 공감각이란 이미지와 음 또는 냄새와 맛과 같이 서로 다른 영역의 감각을 함께 불러일으키는 것이다. 즉 그의 작품에서 보여지는 색조와 형태의 배치는 음악적 요소들이 함께 어우러져 영혼을 감동시키는 것이다.

그는 색의 상호작용과 기하학적인 경향을 파악하고 궁극적으로는 색채에 음악적 감정을 부여하고자 했다. 작품에 명시되어 있는 <즉흥>, <음향>과 같은 음악적 용어가 등장하는 것은 바로 이런 이유 때문이었다.

1910년부터 1차 세계대전이 일어났던 1914년까지 칸딘스키의 작품 세계는 절정을 이루게 된다. 구상적인 작품에서 비구상으로의 전환을 꾀하면서 그는 당대의 신미술가협회와 결별을 하기도 했다. 하지만 이후 칸딘스키는 음악가 친구들과 우정을 더욱 돈독히 하며 자신만의 예술 세계를 구축해 나갔다. 이제 그의 작품에는 더 이상 어떤 형상이나 사물의 흔적을 찾아볼 수 없었다. 그는 보는 이들에게 자신의 그림을 이해시키려 하기보다 상징적인 물음표를 하나씩 더 던져 주고 있었다.

1933년 파리에 정착한 이후 칸딘스키는 유럽의 추상미술에 지대한 영향을 미쳤다. 하지만 만년의 칸딘스키는 자유롭고 조용한 작품 제작의 시간에 또다시 몰입한다. 기하학적인 구성을 포기하고 부드러운 곡선과 유기체의 형태를 만들어 나간 것이다. 그는 즉각적으로 반응할 수 있는 인식의 사물을 대신해 신비적이고 환상적인 이미지들을 화폭 위에 펼쳤다.

무의식으로 느껴지는 내면의 상황, 비록 형태는 없지만 그는 캔버스 위에 피인지 물감인지 구분조차 안되는 불길한 얼룩을 그려 넣기도 하고, 선의 움직임을 통해 격정적이고 흥분된 느낌을 살리기도 했다.

야! 미술이 보인다.

직관과 심리상태에 의한 추상화

뒤집어진 그림을 보면서 색채와 선만으로도 강렬한 느낌을 전달할 수 있다고 확신한 칸딘스키. 칸딘스키에 의해 발전되어 온 추상화는 일반적으로 구체적인 대상을 묘사하지 않는 회화를 뜻한다. 언뜻 보면 아무런 의미와 감정도 없어 보이지만, 칸딘스키는 추상화 속에 ‘영혼을 울리는 감동'이 담겨져 있다고 말한다. 그렇다면 그는 어떤 방법으로 추상화를 제작했을까? 칸딘스키의 추상화 제작방식 중 중요한 포인트를 짚어 보자.

첫째, 대상의 구체적인 묘사 대신 내면을 파악하라!
칸딘스키는 대상을 구체적으로 묘사하거나 있는 그대로 재현하지 않는다. 대신, 대상을 보았을 때 느껴지는 감동을 그대로 캔버스에 옮겼다. 예를 들어 나무를 보았을 때, 화가의 내면에서 느껴지는 감정이 평화라고 가정하자. 이 때 평화스럽다는 내적인 감동을 화면으로 옮기는 과정에서 나무라는 구체적인 대상은 없어지고 화가의 감정만이 남는 것이다.

칸딘스키는 자연 그대로의 모습을 묘사하는 대신 사물을 본 그 순간, 자신의 느낌을 그대로 표현하는 데 충실했던 화가이다. 결국 그의 화폭 위에는 구체적인 대상이 그려지는 대신 자신의 감정만을 색채와 선으로 남긴 것이다. 하지만 구체적으로 대상을 묘사하지 않으면서 화가가 자신의 감정과 정신을 표현하는 일은 참으로 어려운 일이다. 자칫하면 화가가 일방적으로 자신의 주관적인 감정만을 표현함으로써 감상자에게는 의미 없는 낙서나 얼룩으로 치부될 위험이 있기 때문이다. 이런 위험성을 파악한 칸딘스키는 색채를 통해 최대한 자신의 감정을 표현하려고 애썼다.

둘째, 색채를 통해 감정을 표현하라!
칸딘스키는 색채를 음악과 같은 맥락에서 연구했다. 음악이 음의 조화를 통해 감동을 전달하듯, 회화 역시 구체적인 대상이 없어도 색채의 조화를 통해 감정을 표현을 할 수 있다고 주장했다. 그는 음악에서 음의 높낮이가 다르고, 악기마다 독특한 음색이 있듯, 색채도 저마다 느낌이 다르다는 것을 연구를 통해 밝혀 냈다. 예를 들어 노랑색은 전형적인 지상의 색으로 맹목적인 착란이나 광기 어린 병적인 색, 파랑색은 전형적인 하늘의 색이며 순수에 대한 동경을 준다는 것 등 각각의 색채마다 느낌이 다르다는 것이다. 칸딘스키는 이런 연구를 통해 심지어는 색상으로 보면서 음악을 들을 수 있다고도 했다.

셋째, 기하학적이며 상징적인 표현!
음악이 화음을 통해 음의 균형과 조화를 이루듯 회화 역시 서로 다른 색채와 선이 조화를 이루기 위해서는 전체를 통제하는 힘이 필요하며, 이를 위해 기하학적이며 단순화 된 표현으로 내적인 감정을 드러내야 한다는 것이다. 이는 절제된 감정을 느낄 수 있는 그의 말년 작품에서 잘 드러난다. 모든 색채에는 의미가 있듯 이런 형태 또한 아무렇게나 그려진 것이 아니었다. 이것들은 운동감, 균형감각, 무게 등을 나타내면서 제각각 의미 있게 표현되고 있는 것이다.