콜비츠(KatheKolliwitz, 1867~1945)는 우리 시대의 어머니이다. 콜비츠의 작품은 역사적인 현실의 비극과 인간의 생명 외경 정신을 담아 낸다. 그렇기에 그녀의 그림에서는 낭만적인 전원 풍경을 찾아볼 수가 없다. 하지만 전쟁과 혁명, 수난과 고통, 분노로 표현된 그녀의 작품 세계는 무언의 목소리로 우리에게 평등과 자유를 가르친다.

19세기말 독일의 미술은 아카데미를 중심으로 한 보수파적 성향이 강했다. 이는 곧 국수주의에 입각해 국민들의 감정을 조작하기 위한 하나의 수단에 불과했음을 의미한다.

이 시대에 등장한 휴머니즘의 작가 콜비츠는 사람들의 가슴을 파고들었다.

<폭동> 1897년 에칭
247×306cm

그녀가 그린 어머니는 굶주린 아이를 지키며 잔학한 전쟁에 항의했다. 빈곤과 투쟁의 쳇바퀴 속에서 어머니와 아들의 따뜻한 끈을 이어주었던 화가. 그는 시대를 초월한 휴머니즘적 메시지를 작품에 담아 냈다.

그녀의 작품 세계는 인간에 대한 무한한 사랑과 생명 경외의 정신에서 시작되었고, 소외되고 학대받았던 민중의 대변자였다. 그래서 그녀의 작품은 우리들에게 숨어 있는 이기주의적인 요소를 허물어 버린다. 협력과 연대, 함께 손을 잡고 일어날 수 있는 의식의 변화를 충동질하는 것이다.

독일의 여류 판화가 콜비츠는 20세기 미술사에서 거론되는 단골 손님이 아니다. 세계의 유명 미술관에 걸릴 비싼 그림을 그린 화가도 아니다. 그의 작품은 몇몇의 미술관이나 허물어진 교회의 폐허, 그리고 무덤 옆에서 볼 수 있을 뿐이다.

콜비츠는 1867년에 프러시아 왕국 쾨니히수베르크에서 태어났다. 평생 동안 자유와 정의를 갈망했던 콜비츠의 작품 세계는 시대적인 모순과 불합리를 고발하고, 사태의 심각성을 전하며 민중의 사회 개혁을 일깨우는데 있었다.

콜비츠에게 민중은 단순히 길가에 쓰러진 사람들만을 의미하는 것이 아니다. 오히려 이들을 측은히 여길 줄 아는 사람, 작은 희생과 사랑으로 쓰러진 민중들을 구제할 수 있는 사람까지도 포함한 의미였다. 콜비츠의 집안 역시 소외된 집단의 일원이었지만, 그녀는 이 같은 사회적 여건 속에서도 소외된 민중과 평생을 함께 했다. 그럼으로써 인간에 대한 무한한 사랑, 생명에 대한 경외를 불러일으켰고, 학대받는 민중과 함께 새로운 인간 공동체를 갈망했다.

1893년 하우프트만의 극 ‘방직공'을 관람한 콜비츠는 그 감동과 충격으로 연작을 만들어 냈다. 그 결과 탄생한 <방직공의 봉기> 연작들은 사회적으로 큰 반향을 일으켰다.

<죽음> 1897채색석판화
222×184cm
가난한 방직공의 어린 아이에게는
어떠한 구제의 손길도 닿지 않는다.
그녀를 기다리는 것은 오직 죽음뿐이다.
 

그는 극에 대한 삽화 수준의 개념을 뛰어넘으며 무려 4년 동안 이들 작품의 제작에만 매달렸다. 그녀는 민중들의 삶과 투쟁만을 집중적으로 표현함으로써 보다 광범위한 민중들에게 다가가고자 했다.

이후 콜비츠는 <농민 전쟁>에 관한 연작을 그려 나갔다. <방직공의 봉기>와 같은 구성으로 짜여진 이 연작 역시 한 편의 드라마를 보는 듯하다. 하지만 1914년 1차 세계 대전이 발발하고 그녀의 아들이 전사했다는 소식을 접한 콜비츠의 슬픔은 질병과 가난을 넘어서 전쟁을 몰아내기 위한 몸부림으로 변화된다. 1922년부터 제작된 전쟁에 관한 연작은 반전화(反戰畵)의 역사를 예고했으며, 전쟁으로 인해 고통받는 슬픔과 한을 표현해 냈다.

이후 그녀가 죽음을 맞이하기 10여 년 전인 1934년부터 1935년까지 그녀는 죽음에 대한 연작을 제작했다. 이미 국가의 반역자로 낙인이 찍힌 그녀는 죽음에 대한 생각의 고통에서 쉽게 벗어나지 못했다. 다가올 죽음, 전율을 느끼게 하는 살육. 목숨을 걸고 시도된 작품은 나치당이 행했던 수많은 희생과 죽음을 암시하는 것이었다.

콜비츠는 당대의 미술 사조와는 거리가 먼 화가였다. 그녀에게 가장 중요한 것은 미술 사조가 아니라 인류애의 휴머니즘을 어떻게 표현하느냐에 달려 있었다. 그녀가 민중을 그린 이유는 명백했다. 그녀에겐 적어도 상류계급보다 민중들의 모습이 훨씬 아름다웠기 때문이었다.

콜비츠가 판화 작품을 제작하게 된 연유는 기존의 채색화가 가져다주는 미적 세계에 대한 한계의 인식과 민중 속으로의 폭넓은 확대의식에서 비롯된 것이었다. 귀족의 저택이나 궁전에서나 볼 수 있는 제한된 작품으로는 민중들에게 쉽게 다가갈 수 없었기 때문이었다.

결국 그는 수백 점의 동일 작품을 손쉽게 찍어낼 수 있는 판화에 매료되었다. 검정색, 회색, 백색만으로도 그녀는 인간의 아픔과 슬픔, 밝음과 어둠을 표현해 내기에 충분했다.

콜비츠는 1차 대전 이후 민주화된 1919년 프러시아 예술원의 최초 여성 회원이 되는 등 그 실력을 인정받았다. 하지만 당대의 진보주의자였던 그녀의 반전화는 나치에 의해 작품에 대한 모든 권한을 박탈당하는 비운을 겪어야 했다.

야! 미술이 보인다

동판 부식법

콜비츠는 삽화나 만화 등의 연작을 많이 그렸다. 그리고 그의 작품은 흑백톤의 그래픽과 판화가 중심이었으며, 그는 주로 부식동판, 평판, 목판, 석판을 이용했다.

동판 부식법은 그라운드(송진 가루를 동판 위에 뿌린 다음 동판을 가열하여 녹인 후 고착시킨다.)를 통해 산이 그 밑의 동판을 부식하도록 하여 회색 및 흑색에 의한 농담 효과를 내도록 하는 방법을 말한다. 또한 같은 양의 송진 액과 알코올 용액을 혼합하여 동판에 뿌린 다음, 알코올이 증발한 후 송진의 미립자만 남도록 하는 방법도 있다. 남아 있는 그물 형태의 송진 미립자 사이를 부식액이 침투하면 동판면이 부식되는 효과를 이용하는 것이다. 이때 부식액은 묽은 초산액을 사용하며 인쇄할 명암의 톤은 부식된 구멍의 깊이나 부식액의 농도, 부식시간, 송진의 미립자들이 만들어 낸 형태와도 밀접한 관련이 있다. 이후 하얗게 남아 있는 부분은 니스를 칠해 부식을 막는다.

동판 부식법이 보급된 것은 프랑스의 르 프랭스에 의해서였으며, 그후 18세기말에 이르러 기법적으로 거의 완성되었다. 19세기 후반에 들어 동판 부식법은 석판화에 밀려 쇠퇴하였으나 20세기에 다시 부활되어 파리 화파의 거장들인 피카소나 루오, 마송 등은 동판 부식법을 잘 이용하였다.

·참고:세계미술용어사전